Sympathy for Mr. Vengeance

Sympathy for Mr. Vengeance, Park Chan-Wook, 2002.

Ryu, jeune ouvrier sourd et muet a un besoin urgent d'une importante somme d'argent afin de sauver la vie de sa sœur gravement malade et en attente d'une opération. Hélas, son licenciement voit les chances de sa sœur diminuer de plus en plus. Ryu décide alors, avec l'aide de sa petite amie, de kidnapper la fille de son ancien patron, Dongjin, la prunelle de ses yeux. La rançon était censée pouvoir assurer les soins de sa sœur, mais le plan de Ryu va rapidement déraper, et tourner au drame.

Le cinéma de Park Chan-Wook est comme une peinture sur toile marquante dès le premier coup d'œil grâce à sa forme, à sa couleur et à son fond. Une toile qui nous inspire naturellement des superlatifs tout en nous laissant sans voix, un paradoxe qui nous donne envie de sourire béatement autant que de pleurer de tristesse. Sympathy for Mr. Vengeance, premier film de sa célèbre trilogie sur le sujet, illustre très bien le propos que je viens d'évoquer. Il s'agit selon moi d'une œuvre à la beauté aussi froide que captivante. Une envolée lyrique qui chute inexorablement à cause du poids d'un pessimisme (ou nihilisme) omniprésent qui étouffe la moindre lueur d'espoir. Pour faire simple, putain c'est beau mais ça te brise le cœur autant que la mâchoire ! Park Chan-Wook fait parler ses plans hyper léchés plus encore que ses personnages (un héros sourd et muet ça aide). Il donne autant de personnalité aux protagonistes qui se définissent par leurs actes maladroits et désespérés qu'à l'environnement et à la morale de l'œuvre. Pratiquement chaque plan apparaît comme une œuvre d'art, chaque personnages, même antagonistes, sont attachants et honorables (qui plus est campés à merveille par des acteurs quasi-irréprochables), chaque musique et ambiance sonore nous transporte à leurs côtés tout en gardant une distance tristement omnisciente, rien n'est à jeter.

Le choc frontal vient d'une cassure nette entre les deux différentes parties du film. La première heure nous borde dans un climat plutôt doux et agréablement naïf alors que la seconde dépeint une descente aux enfers sans retour dans un déluge de violence, de désespoir et de vengeance, sans jamais être gratuit pour autant. Tout ceci se conclue dans un final tout bonnement percutant. Choquant, lyrique, mais aussi logique et lourd de sens, c'est une sacrée claque qui clôt le film en beauté. Les longueurs de l’œuvre ont une présence significative, et pourtant on ne s'ennuie pas pendant deux heures purement intenses. Sympathy for Mr. Vengeance évite tous les pièges du genre et a l'intelligence de ne jamais prendre parti, mais nous montre une monstruosité bien réelle qui ne naît pas forcément des mains des personnages du film. Ça ne vaut pas encore Old Boy mais ça s'en approche, dommage que Lady Vengeance soit pas mal de poils de cul en dessous...

 "I know you're a good guy... but you know why I have to kill you..."

Scre4m

Scream 4, Wes Craven, 2011.

Qu'on adhère au genre ou pas, il faut bien le reconnaitre, la saga Scream et son "Ghostface" sont des icones du genre qui ont marqué à jamais toute une génération d'adeptes. Il y a quinze ans de cela, on pouvait assister aux premiers déboires de Sidney Prescott, confrontée à un dangereux psychopathe visiblement amateur d'Edvard Munch. Le film fut un succès total, une référence immédiate, débarquant en salles alors que le film d'horreur et en particulier le slasher étaient en état comateux (pour ne pas dire six pieds sous terre), et de ce fait redorant fièrement le blason de l'épouvante. On ne peut pas dire que le parcours fut aussi glorieux pour les séquelles, mais la tétralogie de Wes Craven a toujours su faire preuve d'un parcours ultra-référentiel délectable et une critique acerbe et jouissive de l'industrie hollywoodienne.

Dix ans après les évènements du troisième opus, la belle Sidney se retrouve une fois de plus aux prises avec un allumé de la lame, pas de chance, à croire qu'elle ne fréquente que des psychopathes. Si dans la forme, ce quatrième épisode n'apporte pas grand chose de plus à une saga qui n'a fait que s’essouffler scénaristiquement au fil des films, c'est dans le fond que Scream 4 frappe fort. On pouvait s'inquiéter à son annonce, l'héritage de Ghostface et ses codes paraissant quelque peu dépassés et ringards aux yeux d'une nouvelle génération dopée au gore à outrance et à l’ultra-violence. Craven a su jouer de cet handicap et en faire une force pour sa nouvelle histoire. Scream 4 est un film très drôle, encore plus grinçant qu'auparavant et toujours un véritable témoignage d'amour aux références du cinéma de genre. Nouvelle génération, nouvelles règles, et un aspect parodique omniprésent tant dans la mise en abime que dans les mœurs de cette relève adolescente. Le géant Hollywood s'en prend encore plus dans la gueule que jamais, et il faut bien avouer qu'aujourd'hui plus qu'à l'époque, il y a matière à se moquer là-dessus...

Dès la première séquence (magistrale, comme toujours dans la saga), le ton est donné. Un rythme explosif, des ficelles du suspense et de l'angoisse éculées mais judicieusement exploitées, des figures familières sur le retour et de nouvelles têtes fort sympathiques et bien connues pour la plupart, des dialogues délectables, des mises à mort pas toujours très inspirées mais empreintes d'une bonne dose de tripailles -au sens propre comme au figuré- et surtout, je le redis, un humour noir acéré qui rend à la franchise ses lettres de noblesse. Scream 4 pourra de ce fait toucher tous les publics (à partir d'un certain âge, bien sûr), pour peu que l'on baigne un minimum dans le cinéma d'horreur.

"Now shut the fuck up and watch the movie"

Le Tombeau des Lucioles

Le Tombeau des Lucioles, Isao Takahata, 1988.

Enfin, je me suis décidé à voir ce film d'animation dont on ne cessait de me vanter les mérites. Enfin, j'ai pu me faire mon propre avis sur ce dessin animé que nombre d'individus évoquent comme l'un des films les plus larmoyants qui soient. Le réduire à ce simple terme serait un peu maladroit, car le film de Takahata inspire tellement de choses, et prouve bel et bien que le cinéma d'animation ne se cantonne pas à un public qui n'a pas encore la voix qui mue (ou les seins qui poussent). 

Le Tombeau des Lucioles nous narre les tribulations et successions de malheurs (encore pires que ceux de Sophie) du jeune garçon Seita et sa petite sœur Setsuko, dans un Japon en fin de guerre avec les Américains et proche du sinistre sort qu'on lui connait, durant l'été 1945. Les bombardements ennemis sont légions, les deux enfants perdent leur mère dans la destruction de Kōbe et se retrouvent hébergés par une tante leur exprimant clairement qu'ils seront un poids pour elle tant qu'ils ne travailleront pas. Seita décide de partir avec sa sœur. Ils s'installent dans un abri désaffecté et tentent tant bien que mal de survivre. Leur seul émerveillement face à cette situation désespérée est l'amour qu'ils se portent l'un l'autre, et les centaines de lucioles qu'ils côtoient chaque nuit. 

Plus de 20 ans après sa sortie, ce chef-d’œuvre de l'animation n'a pas pris une seule ride, et ce grâce à une animation en tous points réussie. Les personnages prennent vie sans problème, on peut d'ailleurs également saluer le doublage exemplaire, en particulier pour les deux enfants, impressionnant de justesse. Pas besoin d'acteurs de chair et d'os ici, le résultat est garanti 100% réaliste. On pourra reprocher au grand frère sa froideur assez frustrante lors de certaines situations, mais son comportement trouve finalement une certaine cohérence en même temps que l'on apprend à cerner les différents protagonistes. Setsuko est une petite fille tout bonnement adorable qui ferait dans la réalité le bonheur d'un (trop) grand frère blasé tel que moi -même si sa voix stridente pourra en agacer plus d'un, je le sens-. 

Les personnages sont (tragiquement) très humains et inspirent donc facilement notre empathie, ainsi que notre sympathie. On ne peut qu'être émus face à cette infortune s'abattant sans cesse sur eux telle une épée de Damoclès (ou un bombardier américain), malgré toute la bonne volonté et les efforts titanesques qu'entreprend un frère dans l'unique but de protéger sa petite sœur. Je dois l'avouer, je trouve ce film profondément désespérant, dans le portrait réaliste qu'il fait d'innocents en proie à la fatalité engendrée par la bêtise de l'homme. Le dénouement démontre à lui seul la véracité de la réputation du Tombeau des Lucioles. Je ne trouve absolument rien à reprocher à la mise en scène. C'est un film vraiment bouleversant (boite de kleenex à prévoir pour les plus sensibles), un très beau plaidoyer anti-militariste, un portrait admirable de l'amour entre un frère et sa sœur, et une fable envoutante sur l'innocence et sa fragilité. 

"Why must fireflies die so young?"

True Grit

True Grit, Joel & Ethan Coen, 2010.

Ouest sauvage, le père de Mattie Ross est abattu lors d'une altercation avec un lâche benêt et ivrogne nommé Tom Chaney. La fillette de 14 ans réclame justice, et surtout vengeance. Pour cela, elle fait appel au Marshal Rooster Cogburn, fine gâchette aux méthodes expéditives, alcoolique et sarcastique. Ce curieux duo est bientôt rejoint par un Texas Ranger du nom de LaBoeuf, qui désire capturer Chaney pour des raisons tout autres. Mais le fugitif s'est réfugié en territoire indien avec d'autres camarades hors-la-loi, l'attraper ne sera donc pas une mince affaire...

Présenter True Grit doit être aussi utile que présenter les frères Coen. Chaque film réalisé par les deux frangins a su affirmer toujours plus leur style et leur savoir-faire, leur réputation n'est plus à faire. Leur mise en scène est reconnaissable entre mille, c'est une empreinte aux contours bien définis qui se trouve être le fil conducteur dans leur filmographie, et ceci est bien évidemment la marque des grands auteurs de ce monde. Même si à première vue True Grit semble issu de la mode hollywoodienne actuelle de l'adaptation à outrance (non seulement d'un roman mais aussi remake d'un film avec John Wayne dans le cas présent), Joel et Ethan ont su s'approprier l'essence de l'œuvre et la marquer de leur patte si particulière.

Il faut l'avouer, dans la forme, True Grit n'a rien de franchement original. L'histoire est assez classique pour le public actuel, et prend place à travers un genre qui ne trouve plus grâce à ses yeux depuis hélas bien longtemps. Encore une fois, c'est dans le talent de la mise en scène que les Coen impressionnent : on retrouve les ingrédients qui ont donné vie à leurs précédents films, à savoir de sacrés acteurs avec de sacrées gueules. Jeff Bridges, qui n'a plus rien à prouver niveau talent d'acteur, est tout bonnement énorme dans le rôle titre et qui plus est très bien épaulé, la jeune Hailee Steinfeld semble promise à un chouette avenir dans le milieu, Matt Damon casse son image en incarnant un Texas Ranger un peu paumé, et un peu boulet, tandis que Josh Brolin au demeurant rare à l'écran durant l'histoire offre une prestation réussie d'un brigand légèrement demeuré.

S'ajoutent à ce joli petit lot humour cynique et bêtise naïve au travers de dialogues finement menés, là aussi un trait de caractère bien connu de l'écurie Coen. Et que dire de l'envoutement offert par des décors naturels magnifiques et une musique exclusivement (il me semble) interprétée au piano (original pour un western, il faut le dire). Le rythme est lent, l'histoire prend le temps de se mettre en place, mais True Grit c'est ça, un western dans la plus pure tradition du genre, respectueux à la lettre de tous les codes qui ont su lui donner son identité, et pour le plaisir des amateurs, une véritable renaissance (même si cela peut être éphémère) du genre. A mes yeux, ça n'est pas aussi intense qu'un No Country for Old Men ou aussi jouissif qu'un Big Lebowski, mais True Grit a le mérite de nous donner le sourire et de nous envouter pendant 2h, en témoignant d'un véritable amour pour l'art de raconter une belle histoire.

"You must pay for everything in this world, one way and another."

Dog Pound

Dog Pound, Kim Chapiron, 2010.

J'ai toujours eu un faible pour les films détaillant le milieu carcéral, sans doute pour leur intention de dresser un portrait réaliste et donc dur d'un monde qui demeure inconnu pour ceux n'y ayant jamais séjourné, mais qui malgré cela fascine et terrifie l'homme par sa simple existence et la promesse de l'y inviter si jamais il fait un trop gros pet de travers. Il n'est pas simplement question de montrer à l'écran un enfer pur et simple, mais tout un système, une société de l'ombre séparée de l'humanité par des murs épais, avec ses propres règles, et bien sûr son injustice (si on peut employer ce mot ici) et sa violence omniprésente. Dog Pound suit logiquement ce schéma.

Nous sommes témoins des mésaventures de trois jeunes garçons de 15 à 17 ans, Butch, Angel et Davis, qui se retrouvent compagnons d'infortune dans le centre de détention pour mineurs d'Enola Vale, accusés de crimes divers selon l'individu, mais bien réels. La principale force du film est donc de nous représenter toute une jeunesse livrée à elle-même dans une fourrière aux règles impitoyables. Rien n'est laissé au hasard, le centre de détention est construit brique par brique pour les besoins du film, nombre de personnages secondaires et de figurants sont joués par des jeunes amateurs issus de la délinquance et certains sont d'ailleurs réellement connaisseurs du rôle de détenu, d'après certaines anecdotes l'acteur principal Adam Butcher (Butch) était d'ailleurs sacrément irascible et se retrouvait à plusieurs reprises en garde à vue pendant le tournage...

De quoi convaincre sur l'authenticité du jeu d'acteur. Adam Butcher est la véritable révélation du film, adolescent au regard fou, il semble habité par le rôle. Les autres ne sont pas en reste, tous de jeunes acteurs talentueux qui ne portent pourtant pas la mention "professionnels", en particulier ses deux acolytes Shane Kippel (Davis) et Mateo Morales (Angel). Les décors sont factices mais pourtant on ne doute pas une seule seconde d'être plongés avec eux au sein d'Enola Vale. On peut d'ailleurs saluer le travail photo qui met parfaitement l'accent sur de jolis jeux de couleurs, à la dominante bleue, ce qui allie habillement froideur et immersion. La bande sonore va également dans ce sens, avec de jolies balades dans un style un peu country, douces et mélancoliques.

En opposition, Dog Pound n'y va pas avec le dos de la cuillère question violence, lors de scènes particulièrement infernales qui en rebuteront plus d'un. Mais bon, il faut bien s'attendre à cela dans un film de ce genre, et sans jamais tomber dans la violence gratuite, Kim Chapiron filme avec justesse le parcours chaotique de personnages qui tentent, chacun à sa manière, de gagner sa place à Enola Vale, et surtout être un meneur et non une victime. Dog Pound est donc très bien rythmé, raconté de manière on-ne-peut-plus réaliste, construit autour d'archétypes mais non de clichés (rien de bien dérangeant en tout cas). Kim Chapiron (un frenchie, yeah!) est visiblement un réalisateur à suivre, son chef-d'œuvre ne trompe pas sur la marchandise, un film poignant, viscéral, beau et puissant, un film coup de poing jusqu'à la dernière image.

Black Swan

Black Swan, Darren Aronofsky, 2011.

Le New York City Ballet, sous la direction de l'acerbe Thomas Leroy, s'apprête à réaliser une nouvelle version du numéro du Lac des Cygnes. Parmi les prétendantes au rôle principal de l'œuvre assoiffées de gloire et de perfection que dirige Thomas se trouve la ravissante Nina, danseuse confirmée mue par son désir de réussite et de perfection au sein de la danse. Nina est prête à tout pour obtenir et jouer ce rôle, celui de toute une carrière, et pour cela elle ira jusqu'à se dépasser physiquement, comme mentalement.

Darren Aronofsky est donc le premier réalisateur à avoir l'honneur (heum) d'être cité deux fois sur mon blog. D'ailleurs, je pourrai presque recycler ma critique de The Wrestler, tant ses deux derniers films sont similaires sur de nombreux plans, dans la forme comme dans le fond. Mais je n'en ferai rien, car Black Swan dispose tout de même d'une identité particulière et choisit un tout autre visage que celui qu'arborait The Wrestler. On retrouve bien sûr le parcours d'une personne à la fois fortement affaiblie mais vivant uniquement de sa passion, aux liens complexes avec son entourage. La dégradation physique du personnage central est similaire donc, mais Aronofsky choisit ici de représenter une descente aux enfers à la folie enivrante et vraiment oppressante, pour Nina comme pour le spectateur, dans un milieu impitoyable où l'humanité se perd.

Black Swan s'apparente donc d'avantage à un thriller qu'à un drame, pour peu que l'on puisse réellement lui coller une étiquette. Sans trop vous en dévoiler, il se permet même des envolées fantastiques hypnotiques et intrigantes. Le film doit tout à la prestation incroyable de Natalie Portman, qui trouve certainement ici son meilleur rôle (?), et qui mérite bien les louages dont elle est baignée en ce moment, tant elle a su s'imprégner du personnage au point de se dépasser physiquement, et de danser de manière remarquable et magnifique aux yeux du spectateur (même si les professionnels semblent toujours trouver à redire là-dessus...). Black Swan est empreint d'une beauté poétique certaine, mais il envoute surtout par sa froideur inquiétante, et la dureté de son propos. Les personnages gravitant autour de Nina en sont témoins. Vincent Cassel est juste dans son rôle de dirigeant tyrannique et insondable, même si il demeure assez en retrait, voire éclipsé par l'imposant charisme d'une Natalie Portman qui pourtant semble si fragile et perdue alors qu'elle est censée rayonner en tant que danseuse confirmée et connaisseuse du milieu, abritant une noirceur intérieure prête à s'échapper. Mila Kunis apporte une touche importante d'érotisme et de mystère à l'oeuvre, et incarne un personnage tout aussi inaccessible et impossible à cerner que Thomas. Winona Ryder trouve parfaitement corps dans ce rôle d'étoile déchue avant l'heure, qui pourrait d'ailleurs être mis en parallèle avec la carrière de l'actrice...

La froideur de Black Swan vient donc d'une absence de sentiments forts et d'alchimie entre les différents protagonistes (tout le contraire de The Wrestler), et d'une manière d'allier des représentations poétiques avec une mise en scène viscérale, à la photographie dépouillée et à la caméra à l'épaule qui relève carrément du documentaire. Le tout assure une immersion totale, même si on garde une certaine distance par rapport aux personnages. On partage avec Nina cette angoisse, cette paranoïa et ce mal-être lié à la difficulté de ce qu'elle entreprend, et on éprouve une certaine empathie face à une pauvre fille dominée par une mère omniprésente et abusivement protectrice, un patron tout aussi despote et une rivale menaçante . Mais on reste au seuil entre l'abandon de soi dans une folie partagée avec Nina et l'œil figé d'un spectateur face à une représentation éblouissante, en particulier lors d'une final proprement grandiose. La partition de Clint Mansell est à ce titre, et une fois encore, magnifique et participe grandement à sublimer le film. Darren Aronofsky confirme son style si fort, si sombre et si maitrisé, et livre une fois encore un chef-d'œuvre qui mêle habillement les genres sans se cloisonner, à l'image du cygne blanc et noir, qui mêle beauté et attachement autant que liberté d'action sans compromis et perdition dans la noirceur de l'âme. A déconseiller tout de même, si vous êtes admirateurs de danse classique et désirez y faire carrière, tant le milieu est ici 'légèrement' dépeint de manière corrosive.

"The only person standing in your way is you."

The Thing

The Thing, John Carpenter, 1982.

Une équipe de chercheurs Américains en faction en Antarctique se retrouve confrontée à ce qui semble être les derniers survivants parmi leurs collègues Norvégiens, situés dans une base aux alentours. Ces derniers tentent d'abattre un pauvre chien de traineau qui arrive à tracer la route jusqu'au camp Américain. Les Norvégiens semblent si déterminés à tuer la bête qu'ils en viennent à tirer sur les autres, qui sont alors forcés de les abattre. Le groupe de camarades recueille le chien sans poser de questions, sans savoir qu'ils viennent d'amener au cœur de leurs murs la Chose, entité extra-terrestre symbiotique et imitatrice parfaite, et créature répugnante affamée de chair fraiche...

The Thing de Carpenter est avec Scarface de De Palma l'un des premiers grands remakes de l'Histoire du Cinéma, et il faut dire que la concurrence ne parait pas, à l'heure actuelle, extrêmement rude dans ce domaine. Mais passons, là n'est pas le propos. Remake donc, du film de Christian Niby et Charles Lederer The Thing from another World, lui-même adaptation de la nouvelle Who Goes There? de John W. Campbell Jr., ce chef-d'œuvre ultime (et je pèse mes mots) de l'horreur est peut-être le plus abouti du maitre Carpenter, que j'affectionne tout particulièrement. Bien sûr, je parle avec une certaine objectivité en affirmant cela, Snake Plissken trouvera toujours trop de grâce à mes yeux pour être placé derrière, et le Big John nous a offert tellement de bons films qu'il est difficile de les départager. Mais The Thing est une telle réussite, à tout point de vue, qu'il n'usurpe aucunement son titre de film d'horreur culte. 

Le réduire à ceci serait d'ailleurs quelque peu maladroit. Le film est également empreint d'une atmosphère de science-fiction non étrangère au style de Carpenter, et le suspense prime ici d'avantage sur l'horreur pure. Le film n'est donc pas excessivement violent, ni réellement gore, si l'on omet l'esthétique répugnante à souhait de la Chose et ses méthodes quelque peu dégoutantes pour s'emparer d'un corps et décimer les différents protagonistes. Parlons en d'ailleurs, de l'esthétique de la créature. 30 ans après, les animatroniques qui donnent vie à la Chose n'ont pas pris une ride, et ont toujours autant d'impact. Les effets spéciaux forcent le respect, il faut le dire. La Chose est immonde, mais impressionnante, et aussi malsaine qu'inventive. Probablement l'un des monstres les plus réussis et effrayants jamais vus à l'écran. 

Oui donc, comme je le disais, le suspense atteint des sommets avec The Thing (ouais je sais je dis la même chose avec Buried un peu plus bas, mais bon, ça reste vrai, dans un tout autre style). C'est fou comme le huis-clos est propice à l'angoisse. Les différents protagonistes, à la base collègues et amis, se mettent à douter les uns des autres, tout en étant exterminés un par un, lentement mais sûrement. La terreur et la paranoïa s'installent progressivement, chez les personnages au même titre que chez le spectateur. Ainsi, on reste scotché à son siège, le rythme est parfaitement soutenu grâce à cette constante appréhension de son prochain, cette peur omniprésente de périr, en étant coincé au beau milieu de l'environnement le plus dangereux sur Terre, et ce même sans la présence de la Chose. Quoi de mieux que l'Antarctique pour piéger une bande de pauvres gars, pour les couper du reste du Monde, et les confronter à un extra-terrestre qui ne craint qu'une chose, la chaleur? 

Dans un sens, on pourrait comparer The Thing à un autre chef-d'œuvre du genre, et je parle bien sûr de l'Alien de Ridley Scott. Les deux films ont nombre de similitudes, c'est vrai, mais pour notre plus grand plaisir, ils parviennent tous deux à avoir une identité propre, et puissante. L'ambiance de The Thing en fait un parfait film d'horreur, au delà de ses effets spéciaux et de la violence dont il use. La musique du maestro Ennio Morricone, curieusement teinte du style de Carpenter (ce que je dis ici suffit à prouver que la bande originale du film est géniale) participe grandement à la froideur captivante du film (j'ai un faible pour les musiques du film bien synthétisées des années 80). Kurt Russell, figure emblématique chez ce cher Carpenter, adopte ici un rôle à contre mesure : Il n'est plus le héros qui fracasse tout le monde sans sourciller, mais un simple humain terrorisé, au même titre que ses camarades d'infortune. Enfin, il demeure toujours aussi classe, tout de même, et on devine d'ailleurs dès le départ que c'est lui qui s'en sortira "le mieux" durant le film... 
The Thing a su garder au fil du temps toute la force des genres auxquels il se lie, toute la vigueur de sa mise en scène, et toute la virtuosité de son auteur. 
Une perle brute qui n'a pas pris une ride. Vous n'avez aucune excuse si vous ne l'avez pas vu. 

"Somebody in this camp ain't what he appears to be. Right now that may be one or two of us. By spring, it could be all of us" 

Buried

Buried, Rodrigo Cortés, 2010.

Paul Conroy, actionnaire Américain en mission en Irak, se réveille dans une boite en bois de 2m² enfouie sous Terre, après une attaque terroriste visant son convoi. Son oxygène s'amenuise rapidement, et sa seule chance de sortir de cet enfer est le téléphone portable à moitié chargé que ses ravisseurs ont eu la bonté de lui laisser. Le temps file, aussi certainement que les chances de Paul de revoir la lueur du jour...

En effet, le temps file à toute allure, y compris pour le spectateur, chose étonnante quand on voit le speech de départ. Passer 1h30 entièrement (et vraiment entièrement) dans un cercueil avec un seul et unique protagoniste, il y avait de quoi se poser des questions quant au rythme et à l'intérêt que le réalisateur allait insuffler à son film. Mais le défi est remporté haut la main, dans la forme le film est assez classique avec une histoire pas réellement originale, mais dans le fond, Buried est un modèle d'angoisse et de suspense qui n'a rien à envier aux plus grands du genre. La mise en scène est d'une maitrise remarquable, on prend part au huis-clos le plus oppressant jamais vu à l'écran, et on partage rapidement les sentiments éprouvés par ce pauvre Paul.  

Rodrigo Cortés parvient à déplacer sa caméra avec aisance à l'intérieur de cette misérable boite. Je ne suis pas admirateur de Ryan Reynolds d'ordinaire, mais je dois avouer qu'avec ce rôle qui le contraint à porter indubitablement le film sur les épaules, il s'en sort à merveille. On imagine le rôle pas facile à endosser, mais son jeu est d'une justesse admirable, même si un peu trop "serein" par moments (mais bon, certainement dans le but de ne pas avoir à supporter les râles et pleurs d'une personne trop "réaliste" pendant 90 minutes). Reynolds trouve ici ce qui est certainement son meilleur rôle. Les évènements se succèdent à un rythme haletant, les pirouettes scénaristiques et autres péripéties parviennent continuellement à relancer l'intrigue. Les dialogues entre Paul et ses différents interlocuteurs au téléphone en sont le principal moteur, et là ou certaines œuvres nous dépeignent des dialogues soporifiques et sans grande envergure, ceux de Buried en constituent toute l'action. 

Cortès en profite pour dresser le portrait grinçant d'un système mené par des gouvernements et entreprises cupides, exécrables et sans états d'âme, qui au final ne valent pas mieux que les terroristes qu'ils combattent avec tant d'ardeur. Buried est l'un des films d'angoisse des plus virtuoses et des plus oppressants que vous aurez l'occasion de voir, et ce de la première à la dernière minute. A déconseiller aux claustrophobes tout de même, par contre pour les autres, à voir avec le meilleur équipement cinéma possible, pour des conditions d'immersion optimales. Pour citer une accroche d'affiche : Buried est un film que n'aurait pas renié Hitchcock... 

"I need one million dollars by nine o'clock tonight or I'll be left to die in this coffin"

Machete

Machete, Robert Rodriguez & Ethan Maniquis, 2010.

Machete est un ancien flic patibulaire tentant de se faire oublier. Il joue les ouvriers à mi-temps près de la frontière entre les USA et le Mexique, histoire de tranquillement gagner sa vie. On lui fait un jour une offre qu'il ne peut pas refuser, gagner une mallette pleine de billets verts en échange d'un simple service : assassiner un sénateur au nationalisme exacerbé et à la ferme intention d'éradiquer le moindre mouvement de clandestin Mexicain dans son cher pays. Machete s'exécute, mais il est doublé par ses commanditaires, utilisé comme un bouc émissaire, et ensuite laissé pour mort. Mais Machete ne veut pas mourir, et même si l'État tout entier est maintenant contre lui, il a la ferme intention de se venger, épaulé par la justicière fédérale Sartana, la révolutionnaire et piquante Luz, et son frère pasteur qui planque des fusils à pompe dans son coffre. S'engage un combat contre l'intolérance, la corruption, et les vieux démons de notre héros qui méritent d'être tranchés sévères pour avoir osé tué sa famille...

Machete connait la musique. Machete emballe les femmes comme il veut. Machete n'envoie pas de textos. Machete tue les méchants... Machete à la base, c'est un gag, une farce qui permet de lancer Planet Terror de manière on-ne-peut-plus percutante, juste avant le show de Rose McGowan. Mais le délire a poussé Robert Rodriguez et Danny Trejo à transformer cette fausse bande-annonce en véritable long-métrage. Pour Trejo c'est l'occasion d'obtenir enfin son premier grand rôle (qu'il méritait amplement tant il a de la gueule, littéralement) et pour Rodriguez celle de prolonger le trip Grindhouse. Machete est donc dans la droite lignée de Planet Terror, avec cependant des thèmes quelque peu divergents, mais toujours le même penchant pour l'hommage à la série Z et la surenchère à tout-va jubilatoire.

Rien de bien nouveau en somme, mais un véritable concentré de plaisir pour les fans du genre, et de Rodriguez en général, qui réalise une fois encore ce qu'il sait faire de mieux, à savoir un film d'action décomplexé, à la violence outrancière et à l'ambiance torride (je ne place pas ses films pour gosses dans le lot bien sûr). Machete est le nouveau Chuck Norris. Il parvient à être proprement Badass tout en enchainant les situations complètement loufoques. Chose encore plus grandiose, il est épaulé par un casting incroyable. D'une part de belles pépées aussi habiles dans la séduction qu'avec des flingues : Michelle Rodriguez, Jessica Alba et même Lindsay Lohan qui a pour le coup laissé tomber les productions Disney et la poudreuse (ouais 'fin ça, pas totalement en fait).

D'autre part d'autres grandes "gueules" du petit comme du grand écran : Jeff Fahey toujours aussi plaisant (même si je le trouve plus attachant en cuistot à la recherche de la sauce parfaite), le trop rare de nos jours Robert de Niro en Guest Star, et plus étonnant encore, Steven Seagal, roi du direct-to-vidéo bourrin, qui parvient à être crédible sur grand écran et inspire une légère euphorie chez le spectateur connaisseur, rien que par sa présence. Ce casting "4 étoiles" peine à se partager la gloire à l'écran, même si ça reste mieux maitrisé que chez les Expendables, mais la présence de chacun est bien amenée et maitrisée malgré une histoire un peu brouillonne (qui étonne tout de même par sa présence). Surprise plus agréable encore : Danny Trejo parvient à demeurer la star imposante au centre du film.

Robert Rodriguez est entouré de ses potes, et ce jusque dans la bande originale bien rock'n'nachos du film (Tito & Tarantula, qu'on a déjà pu entendre dans Une Nuit en Enfer ou Kill Bill vol.II), et la recette fonctionne une fois encore. Ce brave Robert a tenu à insuffler un message et un réel fond d'humanité à son film, une dimension politique cynique et bien ancrée dans notre actualité, sur des thèmes d'intolérance et de nationalisme Américain pure souche mû en vendetta raciste contre les travailleurs clandestins Mexicains, des thèmes qui semblent lui tenir à cœur. Un tel parti pris est assez anecdotique dans une production purement "Grindhouse", mais ça a au moins le mérite de s'y intégrer aisément et de proposer une œuvre à différents niveaux de lecture (même si bon... voilà quoi, Machete tue les méchants, c'est tout ce qu'on attend de lui). Machete offre surtout du fun sanglant, sexy et bourré de références et de gags fendards. Ça ne vaut pas selon moi le King of the Kings : Planet Terror, mais ça reste pratiquement aussi jouissif.

"They just fucked with the wrong Mexican"

Scott Pilgrim vs. the World

Scott Pilgrim vs. the World, Edgar Wright, 2010.

Scott Pilgrim est un jeune garçon rêveur et perdu sur son nuage vivant dans un monde difficile, à l'image de ses relations avec les filles. Il semble pourtant mener la danse sans faux pas avec sa nouvelle et adolescente petite amie, Knives Chau, qui devient rapidement folle de lui. Mais entre les sarcasmes de son groupe de rock amateur et de son colocataire gay, les sermons de sa sœur et de sa camarade Julie, et l'arrivée en ville de la fille de ses rêves (littéralement), Ramona Flowers, les choses ne vont pas aller en se facilitant pour Scott. En particulier avec la ligue de sept ex petits-amis maléfiques que Scott doit affronter et vaincre pour pouvoir sortir avec Ramona...

Fan hardcore d'Edgar Wright depuis le terrible Shaun of the Dead et encore plus depuis le génial Hot Fuzz, son troisième film "Scott Pilgrim vs. the World" s'imposait presque comme une évidence à mes yeux, et ce même si je ne connais rien de la bande dessinée à l'origine de cette adaptation. Si on s'en réfère aux deux précédents films de Wright, ce troisième n'est pas vraiment dans la même veine au regard du spectateur, à tel point qu'on se demande si ce n'est pas un film de commande ou une adaptation où le réalisateur a du être quelque peu tenu en laisse, même si l'on reconnait un peu son style et ses références culturelles par ci par là. Ça fait un peu peur d'annoncer ça d'entrée de jeu, mais ne vous en faites pas trop, car Scott Pilgrim demeure une véritable BOMBE !

Dans un genre autre que le Sin City de Rodriguez, ce film se savoure comme une bande dessinée de chair et d'os empreinte d'une ambiance de jeu vidéo. L'atmosphère y est légère à tout instant et surtout jubilatoire. On est surpris de voir une histoire à la base simpliste (à savoir un teen movie romantique sans grande originalité) partir en grand n'importe quoi général avec malgré tout une telle maitrise dans la débauche de fun et de surenchère visuelle. On passe d'un concert miteux à un combat digne de chez Marvel entre deux jeunes nerds tout ce qu'il y a de plus humain (même si certains ont des pouvoirs, 'tention). C'est en cela que Scott Pilgrim est une agréable surprise. Tout au cœur du film semble crée pour nous immerger dans un délire totalement assumé et bon enfant, bourré de références à la culture geek.

Les personnages sont très propres sur eux, interprétés par de jeunes acteurs talentueux (et je ne parle pas seulement des demoiselles du film qui sont carrément des merveilles, heum) mais pas vraiment approfondis en dehors du couple principal, le film n'évite pas toujours certains clichés et prévisibilités, mais peu importe, car le spectateur de tout poil y trouvera son compte, un divertissement qui passe à la vitesse lumière d'un Faucon Millenium et qui nous scotche un sourire béat sur le visage tout du long. L'humour fait mouche à tous les coups. Visuellement, le film est un bijou tel qu'on profite de chaque plan (et c'est pas toujours évident avec un montage qui rythme l'ensemble comme des montagnes russes), et je n'ai rien à redire sur l'ensemble des effets spéciaux, réalisés d'une main de maître et correspondant parfaitement au trip de sujet. Le choix des couleurs, onomatopées, chorégraphies des combats, décors, enchainements déchainés des séquences, et sans oublier cette bande son hybride entre le grunge bien garage et les sonorités "midi" dignes d'une super NES... Tout est fait pour faciliter au spectateur le voyage vers un imaginaire sans limite. On regrettera (une fois n'est pas coutume) une distribution risible des copies dans les salles françaises, jugeant apparemment l'œuvre comme "incompatible" avec le public général de ce cher pays... Mais je n'en crois rien, Scott Pilgrim vs the World est avant tout un énorme tribut au geek, mais il demeure un délice intégral idéal pour tous, si l'on accepte de laisser une légère folie enivrante nous envahir pendant deux petites heures.

"The only thing separating me from her is the two minutes it's gonna take to kick your ass."